di Santo Rizzo
L’originale prova del Piccolo Teatro Stabile Sommatinese per il Concorso Peppe Nasca – Targa Michele Abbate.
La rassegna teatrale nissena “Domenica a Teatro”, ospitata nella cornice del Teatro Regina Margherita di Caltanissetta e promossa dall’associazione Theatron, rappresenta uno dei punti di riferimento culturali più interessanti della Sicilia centrale.
Un appuntamento di rilievo che è stato sostenuto con determinazione dall’assessore alla Cultura Giovanna Candura, la cui sensibilità istituzionale ha puntato a valorizzare il patrimonio artistico del territorio, offrendo alla città una programmazione di grande spessore e promuovendo il teatro come spazio privilegiato di incontro e crescita comunitaria. Al centro dell’intera manifestazione si colloca il Concorso Teatrale intitolato alla memoria di Peppe Nasca e impreziosito dalla Targa intitolata a Michele Abbate, due figure indimenticabili del panorama artistico e culturale locale.
In questo fermento partecipativo si inserisce a pieno titolo la presenza del Piccolo Teatro Stabile Sommatinese APS, un’associazione da sempre impegnata nella promozione sociale e nella ricerca drammaturgica sul territorio, che sceglie di mettersi in gioco nel concorso nisseno portando in scena una produzione di straordinario impatto espressivo.
La rappresentazione proposta dalla compagnia sommatinese, intitolata “Romeo e Giulietta… in tre”, si distingue immediatamente per una tessitura drammaturgica originale che sa dialogare felicemente con le radici della tradizione e con i grandi linguaggi delle avanguardie del Novecento.
A partire dalla secolare tradizione isolana, l‘antica arte dell’opera dei pupi viene trasferita direttamente sui corpi degli interpreti. Nello scontro iniziale tra le famiglie rivali dei Montecchi e dei Capuleti, gli attori rinunciano al classico duello d’armi di matrice shakespeariana per muoversi in scena con braccia e gambe rigide, passi cadenzati e scatti meccanici: una scelta visiva di forte impatto che trasforma la faida veronese nel ritmo martellante di un combattimento di pupi siciliani a misura d’uomo, rendendo la contesa tipica delle storie cavalleresche popolari e al tempo stesso epica, fiabesca e divertente per il pubblico di ogni età.
All’apertura del sipario, gli attori si presentano davanti a un semplice lenzuolo bianco indossando i propri abiti quotidiani; discutono su come mettere in scena la tragedia, vestendo costumi e parrucche sotto gli occhi di tutti. I cambi di costume avvengono a vista, direttamente sul palcoscenico di fronte alla platea. Solo dopo questo confronto iniziale, compiono un vero e proprio «salto dentro la storia» oltre la tela candida per calarsi nell’universo dei due amanti.
Che dire! proprio in tale contesto non possiamo non rilevare l’inconfondibile “lezione metateatrale” dei “Sei personaggi in cerca d’autore” di Luigi Pirandello e del suo celebre «teatro nel teatro» che gli stessi attori ci tengono a citare fin dall’inizio: infatti lo spettacolo abbatte fin dal primo istante la «quarta parete», ossia quel muro invisibile che separa chi recita da chi osserva.
Una scelta drammaturgica innovativa e originale che trasforma una tragedia classica universalmente nota in un atto unico vivace, “metateatrale” e fortemente radicato nella cultura siciliana. Lo spettacolo dichiara apertamente la propria natura di artifizio. Non vi è alcun tentativo di lusingare lo spettatore con scenografie imponenti o inganni veristici. I ruoli maschili e femminili vengono scambiati con disinvoltura. Ai versi drammatici di Shakespeare si sovrappongono improvvisazioni e figure tipiche del teatro popolare, come il Narratore, il Padre e la Nutrice.
Non meno incisiva è l’influenza del Futurismo, il cui manifesto del «Teatro della Sorpresa» puntava a spiazzare gli spettatori con ritmi incalzanti e trovate inaspettate. Questa lezione prende vita in scena attraverso l’alternanza fulminea tra i versi poetici d’amore e improvvise macchiette comiche in dialetto.
Ma la caratteristica principale della rappresentazione risiede, nella straordinaria versatilità del trio di “attori-autori” composto da Luisella Cravotta, Giovanni Di Vincenzo e Giovanni Ferraro. In uno spettacolo che richiede di sostenere l’intero peso della tragedia shakespeariana solo con tre elementi sul palcoscenico, i tre interpreti dimostrano non solo una competenza tecnica notevole, ma, soprattutto, un rigore scenico veramente fuori dal comune.
Con encomiabile naturalezza e sorprendente padronanza dei mezzi espressivi, scivolano da un personaggio all’altro attraverso cambi di costume a vista e inversioni di ruolo, alternando la purezza poetica dei versi originali a momenti di travolgente verve comica e macchiettistica. La loro recitazione, ricca di sfumature umane e di tempi comici perfetti, garantisce alla narrazione una completezza comunicativa capace di avvincere lo spettatore, restituendo intatto il valore universale del messaggio teatrale.
A raccordare con rara sensibilità artistica questa complessa macchina scenica è la preziosa e sapiente regia di Giovanni Gagliano. Una regia non scontata, quasi meticolosa, che si rivela fondamentale nell’armonizzare le differenti spinte stilistiche: dal comico al tragico, dalla tradizione isolana alla sperimentazione d’avanguardia, senza mai fare smarrire al racconto il suo filo conduttore poetico, ma il tutto rivissuto dentro lo spazio di un affascinante viaggio nel tempo che dalla commedia dell’arte attraversa l’opera dei pupi per approdare infine con Pirandello e il futurismo ai nostri giorni.
Inoltre, con un uso rigoroso e minimalista dello spazio, dove bastano pochi bancali in legno per sagomare il dislivello del balcone e un disegno di luci suggestivo per evocare la penombra dell’atto d’amore, vengono dettati tempi, musiche e geometrie di scena con straordinario equilibrio.
Gli interpreti non diventano mai in modo definitivo i personaggi, ma mostrano costantemente lo scarto critico tra l’attore e la parte recitata, incarnando l’idea pirandelliana secondo cui il teatro è l’unico luogo in cui le maschere sociali possono essere messe a nudo.
Particolarmente efficace la scena finale e il denudamento delle maschere, con gesto altamente poetico e tipico del Teatro pirandelliano; infatti nella parte conclusiva dello spettacolo, gli interpreti depongono le vesti dei personaggi e le movenze dei pupi siciliani di fronte agli spettatori, indossano nuovamente i propri abiti quotidiani e riattraversano il lenzuolo-sipario per tornare alla vita reale. In ultima analisi, una rappresentazione che risulta particolarmente intrigante oltre che appassionata e che fa della commedia “Romeo e Giulietta… in tre” non soltanto un garbato esercizio di stile, ma un’opera originale e innovativa, capace di onorare al meglio lo spirito del concorso dedicato a Nasca e Abbate e di arricchire con vera poesia il patrimonio culturale della rassegna nissena
